Futuristic flamenco: Spanish music at a crossroads of tradition and innovation

Aïda Camprubí explores Flamenco's history.

The city of Granada, in the south of Spain, has been one of the great focal points for the musical transformation of the Iberian peninsular for decades. It is the birthplace of the poet Federico García Lorca and the flamenco revolution of the Morente family, as well as Spanish indie rock (Lagartija Nick y Los Planetas) and trap music (Kefta Boyz, later known as Pxxr Gvng under the La Vendición label). More recently, Granada has produced artists of international renown, such as La Zowi and Dellafuente. A whole clubbing scene has also been born there, thanks to the groups Mareo, Miga, Caballito Netlabel and T Label. Each new generation of creatives starts movements that later turn up in big cities like Barcelona or Madrid. Given the age-old musical plundering of the Global South, this city has undoubtedly been a hothouse for new trends in Spain. It is an ideal place for the study of psychomagic. A place where the sacred is steeped in the avant-garde; a place of Bohemian tourism.

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Photography: Alba Ruperez

And now we come to flamenco. In 1922, Granada hosted the first competition in the cante jondo flamenco vocal style. Its cave houses of Sacromonte have sheltered the development of the genre since before there were professorships in Flamencology up to the present day. It is an art of quejíos (lament) and purity of feeling. Its origins are so mixed that they remain a mystery. They can be traced to a mixture of nomadic migration arriving from countries around India, the Islamic conquest of the peninsula (in the area of Al-Andalus), and inventions such as the guitar as well as the box drum known as cajón, which was incorporated into flamenco by Rubem Dantas and Paco de Lucía in 1977. This whole mixed history served to express the fatigas (sorrow) of the Gypsy people, who are still ostracised by the mainstream population. Flamenco has taken many forms as it has spread throughout the country, but it continues to be of Andalusian heritage thanks to meccas of the region such as Jerez de la Frontera, the city of flamenco rhythm. The art went from being totally ignored by academic institutions (its first professorship was established outside of Spain, in Rotterdam), to being the subject of public debate between purists, who consider it to be sacrosanct, and those who argue that any art that does not evolve is dead.

Beyond its preservation in both ghettos and conservatoires, guitarists such as Raul Cantizando recognize that flamenco is born of experimentation and constant questioning. The flamenco singer Israel Fernández once supposed that he would need at least five more lives to understand the entire complexity of its story. Even cats don't have that many lives. Even so, we have the testimony of four specialists who have understood the different forms of flamenco through experience. They have remixed it with other genres of music that touch each generation, from new pop to rave, passing through the roots of Spanish hip-hop and the global urban music wave. And thus came about the get-together at Boiler Room x Ballantine's True Music Studios in Granada, with rapper Haze, flamenco singer Lucía Fernanda, producer Antonio Narváez and the scholarly Rosanna Pappalardo from Califato ¾.

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Photography: Alba Ruperez

Love song: an experiential history of flamenco

Lucía Fernanda was born into flamenco lineage. Her grandfather was Gypsy guitarist Juan Habichuela, and her father is Juan José Carmona, the co-founder of the flamenco fusion band Ketama, which took the role of opening up this art form to the influence of the rock music our parents listened to. She recounts how she was raised with her uncles, aunts and cousins, sitting on the sofa watching TV with guitars cradled in their arms as if extensions of their bodies, ready to be played at any moment. Like those who start conversations with notes, not words. In that environment she learned that the lyrics and guitar techniques of flamenco are constantly changing at the artist's whim, giving it different forms. Each singer may emulate the same basic tune but change its lyrics, the melismas and the end of the phrases. The songs are thus preserved, yet transformed. The producer Antonio Narváez, who often works with Dellafuente and Maka, learnt about flamenco listening to cassettes of Ketama in the car with his parents. And so the circle of experimentation continues.

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The case of Rosanna Pappalardo is exemplary. She is not only a flamenco singer and dancer, but also a student of the art. She is also a member of the group Califato ¾, which reshapes the whole Andalusian sound to evoke imagery of open-air dances and raves. She got into the tradition as a small child through Andalusian folk music and the cante jondo vocal style (cante jondo is Spanish for "deep singing", and is associated with flamenco) of the guitarist Diego del Gastor and jondo singer Montse Cortés. As a teenager, she fell in love with the breakbeat sound, which spread through raves all over Andalusia, and which, in her mind, is linked to flamenco tradition through its broken rhythms and 3/4 time. DJs such as Delaygurrud and Dj Karpin turned the traditional marches of the Spanish Holy Week into electronic anthems, creating a cross-generational communion between local genres. There is a reason why the rites of Christianity have always been associated with club and soundsystem culture, with the DJ as pope, ecstasy as the wafer and the audience as the congregation.

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Photography: Alba Ruperez

However, the Sevillian rapper Haze, from the Los Pajaritos neighbourhood, came to flamenco culture via a different route. As a child, he was brought up on sevillanas, a flamenco form that is danced on public holidays and El Rocío pilgrimage festivities, through such groups as Los Romeros de la Puebla and Los Cantores de Híspalis. Bands such as Triana and Pata Negra, who in the 70s mixed progressive rock with traditional flamenco, and Camarón de la Isla, who revolutionized flamenco towards more psychedelic lines, provided the necessary muscle for Haze to catch the cante jondo bug. But it was the flamenco rumba of Bordon-4, Los Chichos, Los Chunguitos and Los Calis, singing of the problems of the street, who put words to his reality and inspired him to mix the Spanish hip-hop culture of his generation with the sounds he had heard in his neighbourhood from childhood.

Haze was not the first. Artists like Griffi from Sólo los Solo, with their album Retorno Al Principio (2001), added the first samples of flamenco to their songs. Then there's Mala Rodriguez, who used rhyming unique to Andalusia and rapped about quejíos (laments) in the album Lujo Ibérico (2000). It was Haze too whose debut self-published demo tape, Crónicas del Barrio (2003), got millions of plays and helped lay the foundations of flamenco-inspired rap. He admits that it wasn't easy. At that time, if you strayed from strict rap you were seen as a sell-out, and rappers were supposed to be on the street, never in clubs. What is clear is that these four artists have approached flamenco via very unorthodox routes. But can the duende (flamenco spirit) be compared with the flow of new musical traditions?

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Photography: Alba Ruperez

Connecting blood with vibes

'When I sing as I please, I taste blood in my mouth.' said flamenco singer and native of Jerez, Tía Anica La Piriñaca. That phrase has become the all-embracing definition of the flamenco spirit, understood to be singing with feeling and giving one's all to the art of flamenco to the point of exhaustion. Haze explains that mixing rap with flamenco makes for some seriously fierce lyrics. Hip-hop has its origins in the excluded racialised communities of the United States, and just like the Gypsy community in Spain, they sought a way to express their pain. "Both of them wear their throats out from singing because of the real pain they feel", Haze says. Of course, the language used is different.

Just as there are elements of hip hop in not only the lyrics but also in the prison aesthetic of baggy-clothes, laceless shoes and saggy trousers without belts, flamenco has the carcelera, or "jailer" style, which originates from prisons, and the martinete, or "mallet" style, which features the sounds of forges and the sounds of hammers used for forced labour and construction. Producer Antonio Narváez talks of how to transform these rhythms and the sound of the flamenco box drum into electronic bass drums to introduce them to a new generation of music. One of his benchmarks is the work of the singer Rocío Márques with the producer Bronquio on the album Tercer Cielo (2022), which combines the avant-garde of digital sound with the traditional styles of flamenco.

Can flamenco spirit and flow come together? According to Rosanna Pappalardo, the flamenco spirit is what makes the hair on the back of your neck stand on end. In her opinion, soundsystem culture also generates a sense of community, where a good DJ can replicate that emotion and pump up the crowd. Haze on the other hand sees the flamenco spirit in battle rap, where improvisation plays as important a role as in flamenco festivals. Nailing a rhyme or landing a punchline is more than just flow, it's the flamenco spirit: something magical.

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Photography: Alba Ruperez

Amidst so many comparisons (more for the purpose of seeking connections than of competition), the approach of the thinker Fernando López Rodríguez is notable. He wonders if we can strive to do things differently without letting go of flamenco's unique character. Since it has been mixed with other genres of each generation more than tradition, perhaps it would be more appropriate to talk of an Andalusian sound made up of differing origins. Deconstructing how Spain is perceived by the rest of the world. Backing the merging of flamenco songs influenced by Latin America and localisms.

Policies and agreements on a new Andalusian sound

While accompanying C.Tangana on his El Madrileño (2021) launch tour, Lucia Fernanda released her own debut album. While Yelem (2021) takes its name from the international Romany anthem, it brings together the artist's passion for pop and R&B. The title is an anti-racist statement with the aim of informing mainstream culture of the history of Gypsies and their music. She starts a debate in which she reveals the love she feels for her origins, while at the same time challenging cultural appropriation. She acknowledges the efforts of people of non-Gypsy ethnicity, such as Paco de Lucia, Manolo Sanlúcar and Lola Flores, in preserving the genre and fusing it with others. She advocates that both of these movements be undertaken in a respectful way.

That stands in contrast to the concept of a Marca España (touristic Spain), a package that sells a single sound and a few traditional customs, but ignores the rest. "You give someone from Cantabria or any other region in the north of Spain a flamenco costume and tell them to sing you an upbeat flamenco song, and they'll tell you they have their own traditions", says Rosanna Pappalardo. "While our Andalusian image is being captured and going global, there are other national folk styles that are not considered part of touristic Spain."

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Photography: Alba Ruperez

But the fact that an Andalusian sound is being talked about is a step forward. The community of Andalusia, with its many accents and traditions that differ by province, has often suffered from the double standards imposed upon it. On one side there is the fetishism, the whitewashing and the appropriation of its traditions as a hook for tourism, and on the other side the common stigma of the Global South, considered to be third world. Its languages and practices are ridiculed when compared to a supposed north where people are considered more polite and more politically correct, where they work harder and have more progressive legislation. This stigma is applied by Europe to Spain, Greece and Italy, as well as within these very countries to their own southern regions.

In this respect, the work of Califato ¾ in transcribing tradition and taking pride in an Andalusian sound is extremely important. They do this even in the way they write their lyrics, which are always written according to Andalusian orthographic rules (known as EPA in Spain). The rules are not official, but they are sufficiently well-recognized in the region to allow the different Andalusian dialects to be represented in writing. Curro Morales, a member of Califato ¾, argues that although Andalusia has always been at the forefront of music, the same has not been true of its music industry, and so artists are forced to move away from their homelands to pursue their careers. Rosanna Pappalardo goes further: "The fact that we have to abandon our space, identity and customs is destroying our lives. We have to manage ourselves so the money can stay here too."

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Photography: Alba Ruperez

Another of Pappalardo's proposals is that the musical education of flamenco and other indigenous traditions, which have always been passed on through mimicry and by word-of-mouth in families and neighbourhoods, should be provided by the public system and not be monopolized by private colleges. That is an idea that Haze, a graduate and now lecturer of Hispanic Philology, has a lot to say about. He recounts how, in one of his language and literature classes at a secondary school in Coria del Río, Seville, he taught linguistic mechanisms and resources using the song La Vida Es by Maka and Dellafuente. 'In my course, music is a really useful and appealing tool. Songs by singer-songwriters such as Serrat and Sabina are all well and good, but we should go to today's music, where skilled poets can already be found'. All these ideas and fusions could help to establish a solid foundation, so the musical characteristics of the present can form part of a new tradition in the future, thus broadening our historical memory. That's how our perspectives grow powerfully.

El Bloque is a collective of communicators and visual artists who are passionate about the present. The channel was launched on YouTube at the end of 2017 as a cultural talk show that aims to capture the essence of traditional television music programmes of the 80s, fusing it with new DIY audiovisual creation techniques and split screens. Three seasons later, El Bloque has elements that mix digital imagination with the renovation of various formats, as seen in the documentary M40, the fictional animation Animal Hustling, the fusions in video game images such as Emotional Spa and the reimagining of classic rap formats such as cypher. Off the internet, interest in the project has been growing at festivals and cultural events. The journalist Silvia Cruz Lapeña has described it as "the programme for the generation that doesn't watch telly". It is a bid for plural, diverse and politicised TV.

The Boiler Room x Ballantine’s True Music project is a long-time partnership connected by a common interest in music, the different places it comes from and the communities behind it. Over the past five years Boiler Room and Ballantine’s have thrown parties in more than 28 cities, and have worked with more than 220 artists across the globe, documenting local music stories along the way. In 2019 Boiler Room x Ballantine’s True Music announced it will champion True Music artists, fans and crews by facilitating positive change in music communities around the world, giving a platform to those in the scenes, supporting initiatives and of course hosting great events with great drinks.


La ciudad de Granada, al sur de España, ha sido uno de los grandes focos de transformación musical de la península durante décadas. Cuna del poeta Federico García Lorca, la revolución flamenca de la familia Morente, los inicios del indie-rock patrio con Lagartija Nick y Los Planetas o del trap español vía Kefta Boyz, que luego se convertirían en Pxxr Gvng y el sello de La Vendición. En Granada se han criado artistas de repercusión internacional, como recientemente La Zowi y Dellafuente. También ha nacido toda una escena clubbing de la mano de los colectivos Mareo, Miga, Caballito Netlabel y T Label. Cada nueva generación de creadores marca las corrientes que luego se dan en grandes urbes como Barcelona o Madrid. Viendo el expolio musical que ha sucedido siempre con el Sur Global, sin duda esta ciudad ha sido la casa de las tendencias en lo que se refiere a España. Un lugar digno del estudio de la psicomagia, donde lo sacro se empapa de las vanguardias como destino del turismo bohemio.

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Photography: Alba Ruperez

Centrándonos en el flamenco, Granada hospedó el primer Concurso de Cante Jondo en 1922 y sus cuevas del Sacromonte han cobijado las raíces del género hasta la actualidad y desde antes de que existieran las cátedras de flamencología. Un arte que trata sobre el ‘quejío’ o la pureza de sentimiento, pero cuyos orígenes son tan mestizos que siguen siendo un misterio. Una mezcla entre la migración nómada llegada desde los países colindantes de India, el Al Andalus o la conquista islámica de la península e inventos como la guitarra o el cajón, que fue incorporado al flamenco por Rubem Dantas y Paco de Lucía en 1977. Sirvió toda esta mezcla para expresar las ‘fatigas’ del pueblo gitano que aún sufre el ostracismo por parte de la población. El flamenco ha tomado múltiples formas para extenderse por todo el país, pero sigue siendo patrimonio andaluz con otras mecas como Jerez de la Frontera, la villa del compás. Pasó de una invisibilización total por parte de las instituciones -naciendo su primera cátedra fuera del país, en Rotterdam- a un debate público entre los puristas que los consideran intocable y los que defienden que un arte que no evoluciona, es un arte muerto.

Más allá de la preservación que pueda darse tanto en la calle, por parte de los ghettos, como en la academia, vía los conservatorios, guitarristas como Raul Cantizando reconocen que el flamenco nace de la experimentación, herencia de multitud de cuestiones. El ‘cantaor’ Israel Fernández asumió que le harían falta más de cinco vidas para entender toda la complejidad de su historia. Ni siendo gatos tendríamos tantas. Pero para esta misión, contamos con el testimonio de cuatro especialistas que han entendido las distintas formas del flamenco de manera experiencial. Remixeándolo con otras músicas que nos tocan por generación, desde el nuevo pop a la cultura rave, pasando por las raíces del hip hop español y la oleada global de músicas urbanas. Así se desarrolló el encuentro de Boiler Room & Ballantine's True Music en Granada, con el rapero Haze, la ‘cantaora’ Lucía Fernanda, el productor Antonio Narváez y la erudita Rosanna Pappalardo de Califato ¾.

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Cante de amor: una historia experiencial del flamenco

Lucía Fernanda nació de una estirpe flamenca. Nieta del guitarrista gitano, Juan Habichuela, e hija de Juan José Carmona, co-fundador de la banda flamenco-fusión Ketama, encargada ya en su generación de abrir este arte a la influencia rock que escuchaban nuestros padres. Cuenta cómo desde niña convivió con sus tíos y primos sentados en el sofá, viendo la televisión, con la guitarra colgada del brazo como si fuera un apéndice más de sus cuerpos. Lista para ser tocada, en cualquier momento, como quien inicia una conversación usando notas en vez de palabras. Allí aprendió que las letras y toques del flamenco se cambian constantemente a merced del artista, para darle una forma diferencial. Cada cantaor puede emular una misma tonada pero cambiar la lírica, los melismas, el final de los fraseados y así las canciones se preservan a la vez que se transforman. A su vez el productor Antonio Narváez, que trabaja habitualmente con Dellafuente y Maka, aprendió del flamenco viajando en el coche con sus padres, donde le ponían los cassettes de Ketama. Y así se continúa el círculo de la experimentación.

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Photography: Alba Ruperez

El caso de Rosanna Pappalardo es paradigmático. Ella es una cantaora, bailaora y estudiosa del flamenco a través de la academía. Pero también es miembro del colectivo Califato ¾, que reformula en clave de verbena e imaginario rave todo el sonido andalusí. Entró a la tradición de pequeña a través de la copla, la canción folklórica andaluza, y del arte jondo (del español ‘hondo’ que significa ‘profundo’ asociado al flamenco) del guitarrista Diego del Gastor o la cantante Montse Cortés. De adolescente, se enamoró del sonido breakbeat expandido a través de las raves por todo Andalucía, que según ella conecta con la tradición flamenca por sus ritmos rotos y 3x4. DJs como Delaygurrud o Dj Karpin convirtieron en himnos de electrónica las tradicionales marchas de la Semana Santa española, cerrando esta comunión intergeneracional entre géneros locales. No en vano se ha asociado siempre los ritos de la religión cristiana con los oficiados por la cultura club y del soundsystem, con el DJ como pope, el éxtasis como oblea y el público como congregación.

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Photography: Alba Ruperez

Sin embargo, el rapero sevillano Haze, del barrio de Los Pajaritos, encontró una vía distinta en su aproximación a la cultura flamenca. De niño se empapó de las sevillanas, un palo flamenco que se baila durante las ferias populares y las fiestas del Rocío, con exponentes como Los Romeros de la Puebla o Los Cantores de Híspalis. Bandas como Triana o Pata Negra que en los 70 mezclaron el rock progresivo con la tradición o Camarón de la Isla, que revolucionó el flamenco hacía una vertiente más psicodélica, aportaron el músculo necesario para que Haze se contagiara de la pasión ‘jonda’. Pero fue la rumba flamenca de Bordon-4, Los Chichos, Los Chunguitos o Los Calis, que hablaban de los problemas de la calle, quiénes pusieron palabras a su realidad y lo animaron a mezclar la cultura del hip hop español, vigente en su generación, con los sonidos que se escuchaban en su barrio desde la infancia.

Haze no fue el primero. Recuerda que artistas como Griffi de Sólo los Solo, con su álbum, Retorno al principio (2001) incluye los primeros samplers de ‘flamenquito’ en sus canciones. O Mala Rodriguez en Lujo ibérico (2000), rimando con andalucismos y rapeando sobre ‘quejíos’. Sí fue Haze quién, al debutar con su maqueta autoeditada Crónicas del Barrio (2003) consiguió millones de escuchas y ayudó a sentar las bases del rap ‘aflamencao’. Algo que, confiesa, no fue fácil. Porque en aquella época si te salías del rap estricto eras un vendido y el sitio de los raperos era en la calle, nunca en el club. Lo que está claro es que estos cuatro artistas se han aproximado al flamenco desde posturas muy heterodoxas. Ahora bien, ¿se puede equiparar el ‘duende’ -el espíritu flamenco- con el flow de las nuevas tradiciones musicales?

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Photography: Alba Ruperez

Conectando la sangre con el vibe

"Cuando canto a gusto la boca me sabe a sangre" decía la cantaora jerezana Tía Anica La Piriñaca. Esta frase se ha convertido en una definición universal de ‘duende’, lo que se entiende como cantar con sentimiento, dejarse la piel en el arte flamenco hasta llegar a un nivel de desgarro. Haze explica que la mezcla del rap con el flamenco permite unas letras muy duras. El hip hop tiene sus orígenes en la comunidad racializada de Estados Unidos que sufrieron exclusión, buscaron una forma de expresarlo al igual que la comunidad gitana en España. “Ambos se rompen la garganta cantando porque les duele de verdad” afirma, aunque los códigos utilizados sean distintos.

Al igual que hay elementos del hip hop, tanto en las letras como la estética presidiaria de ropa ancha, zapatos sin cordones y pantalones caídos, sin cinturón; en el flamenco hay palos como la ‘carcelera’ que se originan en las prisiones o el ‘martinete’ que tiene como único acompañamiento el sonido derivado en la fragua, de los martillos que se utilizaban para los trabajos forzados o para construir. El productor Antonio Narváez habla de cómo transformar estos ritmos o el sonido del cajón flamenco en bombos electrónicos para incorporarlos a una nueva generación musical. Uno de los referentes es el trabajo de la cantante Rocío Márques con el productor Bronquio en el álbum Tercer cielo (2022), que une la vanguardia del sonido digital con los palos tradicionales del flamenco.

¿El ’duende’ y el flow pueden avenirse? Según Rosanna Pappalardo, el duende es lo que provoca que se te ericen los pelos de la nuca. En su caso, en los soundsystem se genera también esta sensación de comunidad, donde un buen DJ puede replicar esta emoción y levantar en conjunto las energías de la rave. Por su parte, Haze, ve ‘duende’ en las batallas de gallos del hip hop, donde la improvisación juega un papel tan importante como en las fiestas flamencas. El terminar bien una rima o colar una ‘punchline’ a tiempo, más que flow, es cuestión de ‘duende’: un hito mágico.

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Photography: Alba Ruperez

Entre tanta comparación, más para buscar nexos que para competir, es importante el planteamiento del pensador Fernando López Rodríguez. Se pregunta si podemos empeñarnos en hacer las cosas de otra manera sin renunciar a la categoría de flamenco. Quizás en un punto de tanta mezcla con el resto de géneros que nos tocan más por generación que por tradición, cabría hablar más de un sonido andalusí configurado a través de raíces distintas. Desmontando lo que se conoce como Marca España para el resto del mundo. Apostando por las hibridaciones entre las ‘músicas de ida y vuelta’ y los localismos.

Políticas y consensos para un nuevo sonido andalusí

A la par que acompañaba en su gira a C.Tangana, con la presentación del disco de El Madrileño (2021), Lucia Fernanda ha publicado su propio debut. Yelem (2021) toma el nombre del himno internacional romaní, a pesar de ser un trabajo donde la artista converge sus pasiones por el pop y el r’n’b. El título es un statement anti-racista, para que se conozca la historia del pueblo gitano también en la cultura mainstream, a la vez que se acerca a sus géneros musicales. Abre un debate en el que destapa, por un lado el amor que siente por sus orígenes y por otro, desarticula la apropiación. Reconociendo la labor de personas de etnia no-gitana como Paco de Lucia, Manolo Sanlúcar y Lola Flores en la continuación de este arte y su acercamiento a otras músicas. En ambos casos, aboga por el respeto con el que se tienen que abordar cualquiera de estas corrientes.

Algo que contrasta con el concepto de Marca España, un pack turístico donde se ha vendido un sonido único y unas costumbres que caracterizan determinadas tradiciones, mientras que ignoran el resto. “A alguien de Cantabría -u otras regiones del norte de España- le pones un traje de flamenca y le dices que te cante por ‘bulerías’ (un palo flamenco muy festivo), y te contestará que tiene sus propias costumbres” apunta Rosanna Pappalardo. “Mientras que en Andalucía se está captando nuestra imagen y haciendo global, hay otros folklores nacionales que no se consideran dentro de la Marca España”.

Que por ende, se hable de sonido andalusí, supone un avance. La comunidad de Andalucía, con sus múltiples acentos y tradiciones ubicadas por provincias, ha sufrido muchas veces por el doble rasero que se le aplica. Por un lado el fetichismo, blanqueamiento y apropiacionismo de sus tradiciones como gancho para el turismo; por otro el estigma común de los sures globales considerados como tercermundistas. Se ridiculizan las praxis e idiomas frente a un supuesto norte donde hay más etiqueta y corrección política, se trabaja más o hay legislaciones más ‘progresistas’. Un estigma aplicado tanto desde Europa a España, Grecia o Italia, hasta dentro de estos propios países a sus regiones del sur.

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Photography: Alba Ruperez

En este punto es súper importante la labor del colectivo Califato ¾ en la transición de la tradición y el orgullo por un sonido andalusí. Desde la propia forma en que presentan sus letras, escritas siempre según las normas de la EPA ('Êttandâ pal andalûh’ del español ‘estándar para el andalús’). Una normativa no oficial, pero con el suficiente reconocimiento autóctono para adaptar la ortografía a los distintos dialectos andaluces. Curro Morales, miembro de Califato ¾, defiende que a pesar de que Andalucía siempre ha estado en las vanguardias musicales, no ha ocurrido lo mismo con la industria de este sector; obligando a los artistas a moverse fuera de sus territorios para poder continuar con sus carreras. A los que Rosanna Pappalardo continúa: “el hecho de que tengamos que abandonar nuestro espacio, identidad y costumbres es un modelo que nos está reventando la vida. Debemos autogestionarnos para que el dinero pueda permanecer aquí también.”

Otra de sus apuestas, de la mano de Pappalardo, es que la educación musical del flamenco y el resto de tradiciones autóctonas, que desde siempre se ha dado en forma de mímica y boca-oreja en el ámbito vecinal y familiar, parta de un sistema público y no se monopolice a través de una academia privatizada. Algo a lo que Haze, que se ha licenciado en Filología Hispánica y ahora ejerce como profesor, tiene mucho que aportar. Cuenta que en una de sus clases de Lengua y Literatura en el instituto de Secundaria en Coria del Río de Sevilla, enseñó mecanismos y recursos lingüísticos con la canción “La vida es” de Maka y Dellafuente. “En mi asignatura, la música es una herramienta muy útil y atractiva. Las canciones de cantautores como Serrat y de Sabina están muy bien, pero vayamos a la música de ahora donde ya hay muy buenos poetas”. Con todas estas propuestas e hibridaciones se puede establecer una buena base para que las particularidades musicales de un presente puedan formar parte en un futuro de una nueva tradición, ampliando nuestra memoría histórica. Así de fuertes crecen nuestras escenas.


El Bloque es un colectivo de comunicadores y realizadores visuales apasionados por el presente. A finales de 2017 nace en formato para YouTube como programa cultural de entrevistas que pretende rescatar la esencia de los programas musicales de ka televisión tradicional de los años 80, fusionándola con las nuevas técnicas de creación audiovisual DIY y el consumo de pantallas -hiperfragmentado e hiperparcelado-. Tres temporadas más tarde El Bloque cuena en su canal con piezas que mezclan el imaginario digital con la renovación de todo tipo de formatos: del documental M40 a la ficción animada Animal Hustling, sin olvidarse de híbridos ligados a la imagen en videojuegos como Emotional Spa o reimaginando formatos clásicos en el rap como los cyphers. Más allá del online, el proyecto ha ido creciendo de la mano y el interés de festivales y eventos culturales. La periodista Silvia Cruz Lapeña lo definió como “el programa de la generación que no ve la tele”. Una apuesta por una tele plural, diversa y politizada.

Boiler Room x Ballantine's se comprometen a crear un futuro más seguro, más justo y más inclusivo para la cultura musical a través de su serie de eventos globales True Music Studios. Durante los últimos ocho años, a través de su plataforma True Music y junto con su socio de largo plazo Boiler Room, Ballantine's se ha comprometido a representar, apoyar y promover la cultura musical mundial, defendiendo comunidades diversas y subrepresentadas en todo el mundo y apoyando a más de 600 artistas en todo el mundo. Más de 70 eventos en más de 20 países.